Una tarde nublada de octubre, mientras la lluvia golpeaba los ventanales de mi estudio en Cuenca, me quedé mirando un frasco de mermelada artesanal sobre mi mesa de dibujo. Yo misma había ilustrado la etiqueta —flores de saúco con trazos finos y un fondo crema— pero en la foto que acababa de tomar con mi Fujifilm X-T20 prestada, el producto se veía muerto. Parecía un objeto olvidado en un estante oscuro, sin esa alma que intenté darle con mis lápices. Ahí fue cuando entendí que, por más que tuviera un sensor APS-C de 23.6 x 15.6 mm capaz de captar cada detalle, si el escenario es pobre, la imagen es plana. El ruido en mi cabeza, ese que solo se calla cuando miro por el visor, empezó a decirme que necesitaba 'cosas'. Luces, fondos de madera envejecida, soportes profesionales. Pero mi cartera, como siempre, estaba sobre la mesa recordándome que los encargos de rotulación de packaging para tiendas pequeñas no dan para lujos de estudio.
Esa misma noche, con un té de cedrón caliente cuyo aroma llenaba la habitación mientras el sol de la tarde (o lo que quedaba de él) resaltaba la textura del papel acuarela, decidí retomar el curso "De Cero a Crack". Ya lo había empezado, pero me salté la parte de materiales porque me asustó la lista. Sin embargo, al verlo de nuevo, mi ojo de ilustradora empezó a traducir: lo que el instructor llamaba 'backdrop de alta densidad', yo lo veía como una superficie plana con textura. Lo que llamaba 'difusor de grado cine', yo lo veía como un área blanca translúcida. Me propuse armar mi kit de estilismo con lo que pudiera encontrar en la papelería técnica del barrio y un par de ferreterías, gastando apenas lo que me cuesta una salida a comer un mote pillo con las comadres.
La base de todo: El papel y el cartón pluma
Lo primero que aprendí es que no necesitas una mesa de bodegón profesional. Mi mesa de dibujo de madera me sirve, pero para variar los fondos, mi mejor aliado se volvió el papel. Pero no cualquier papel. Fui a la papelería y busqué cartulinas de alto gramaje en tamaño A3 (ya sabes, las de 29.7 x 42 cm), específicamente en tonos neutros: gris cemento, arena y un azul petróleo muy oscuro. Lo importante aquí, y esto es clave si no quieres que la foto parezca de catálogo barato de los noventa, es que sean mate. El brillo es el enemigo del aficionado.
Recuerdo la frustración de usar una tela con brillo que me sobró de un encargo anterior; reflejaba mi propia cara en el cristal del frasco de mermelada, arruinando toda la composición. Fue un desastre. Por eso ahora solo uso materiales que absorban la luz en lugar de escupirla. El cartón pluma blanco es otro básico. Compré un par de láminas grandes y las corté. No solo sirven como fondo limpio, sino que son los mejores reflectores del mundo. En una ciudad como Cuenca, donde la luz al mediodía es tan dura y genera sombras que parecen tajos negros, poner un cartón pluma del lado opuesto a la ventana suaviza todo de una forma casi mágica.
El truco de la ferretería: Texturas realistas sin pagar de más
Aquí es donde entra mi 'ángulo único' de ahorro. Si buscas en sitios especializados, un fondo que imite madera o piedra te puede costar una pequeña fortuna. Mi solución fue caminar unas cuadras hasta una zona de construcción y entrar a una tienda de acabados. Pedí muestras de baldosas de porcelanato que estuvieran descascaradas o que fueran retazos de exhibición. Muchas veces te las regalan o te las venden por casi nada porque ya no forman un juego completo.
Conseguí una pieza que imita mármol mate y otra de un gris volcánico que tiene una textura rugosa increíble. Al poner mi cámara con el lente de 35mm (que por el factor de recorte del sensor termina actuando como un 52.5mm), la profundidad de campo es tan bonita que ese retazo de baldosa parece el suelo de una cocina de lujo en una revista europea. No necesitas un piso entero, solo necesitas los centímetros suficientes para que quepan tu producto y un poco de aire alrededor, respetando esa cuadrícula de 3x3 que aprendí a activar en la pantalla de mi Fuji.
Incluso he llegado a usar muestras de piso laminado que imitan madera. Como son piezas sueltas, las guardo debajo de mi cama en una carpeta de dibujo. Es una forma práctica de tener un estudio versátil en un departamento pequeño donde el espacio es tan valioso como el tiempo de entrega de un proyecto. Si estás empezando, te recomiendo revisar cómo configurar el modo manual en cámaras mirrorless para principiantes, porque cuando empiezas a jugar con estas texturas, el modo automático de la cámara suele confundirse con los grises y te arruina la exposición.
Domando la luz de altura con poliestireno
Durante las primeras semanas de enero, me obsesioné con el módulo de luz natural del curso. Cuenca tiene esa luz de montaña, fría y cristalina, pero muy traicionera. Si te descuidas, el contraste es tan alto que pierdes todo el detalle en las sombras. En el curso sugerían rebotadores circulares plegables, pero yo recordé que tenía unas planchas de poliestireno expandido (el famoso espumaflex) que venían protegiendo una impresora vieja.
Ese material es oro puro. Al ser una superficie blanca porosa, rebota la luz de una manera muy difusa y natural. Lo coloco cerca de mi ventana, justo fuera del encuadre, y observo cómo las sombras de la etiqueta que ilustré se llenan de luz sin perder su forma. Es como cuando en ilustración añadimos una veladura de blanco para dar volumen; no borras la sombra, solo le quitas ese peso pesado que la hace ver sucia.
Hace apenas un mes, intenté hacer una sesión para una marca de jabones artesanales. Estaba usando mi esquema de siempre, pero sentía que algo faltaba. Recordé un tip de uno de los videos de Hotmart que vi un domingo por la tarde: el uso de 'banderas negras'. Usé unos trozos de cartulina negra para bloquear la luz en ciertas áreas y ¡pum!, de repente el jabón tenía una silueta definida, un contorno que lo separaba del fondo. Fue un momento de revelación. No se trata de cuánta luz tienes, sino de cómo la controlas con pedazos de cartón de un dólar.
Pequeños objetos que cuentan historias
El estilismo no es solo el fondo, son los complementos. Pero cuidado, que aquí es donde uno se gasta el presupuesto si se deja llevar por la emoción. Mi regla de oro ahora es: si no ayuda a contar qué es el producto, no entra en la foto. Para la mermelada, usé una cuchara de madera antigua que heredé y unos granos de azúcar regados con cuidado. Nada más.
Como ilustradora, siempre pienso en el equilibrio de masas. Si el producto es el protagonista, los accesorios son los personajes secundarios que no deben robarse el show. A veces, una simple servilleta de lino arrugada (que puedes comprar como retal en cualquier tienda de telas) aporta una textura orgánica que rompe la rigidez de las líneas rectas. Lo bueno de trabajar con marcas locales es que a veces ellas mismas tienen elementos que puedes usar, lo cual es ideal para la organización de sesiones de fotos para ilustradores con poco tiempo, porque ya tienes el concepto visual a la mano.
Lo que me encanta de este proceso es que he dejado de ver la fotografía como un gasto técnico y he empezado a verla como una extensión de mi mesa de dibujo. Ya no me siento tan pequeña cuando digo que soy aficionada; al final del día, si la foto ayuda a que la tienda de la esquina venda más frascos de mermelada, el curso se pagó solo y mi Fujifilm prestada habrá cumplido su misión.
Al final, el estilismo de producto con presupuesto ajustado se resume en tener ojos de exploradora en tu propia ciudad. Ya sea buscando esa luz perfecta que entra por la ventana de tu sala en Cuenca o rescatando un pedazo de mármol de una construcción vecina, la magia ocurre cuando dejas de mirar el catálogo de equipo profesional y empiezas a mirar lo que tienes frente a ti. La próxima vez que sientas que te falta equipo, prepárate un té de cedrón, revisa tus apuntes y recuerda que una cartulina mate y un buen rebotador de espumaflex pueden hacer más por tus fotos que el lente más caro del mundo si sabes dónde ponerlos.