Eran las seis de la tarde de un domingo de lluvia aquí en Cuenca, de esos en los que el frío se cuela por las rendijas de las ventanas de madera, y yo estaba ahí, con mi taza de cedrón caliente y la laptop abierta. Estaba intentando subir a mi portafolio las fotos de unas etiquetas que ilustré para una marca de mermeladas artesanales de Gualaceo. El problema no era el dibujo; el problema era que en la pantalla las fotos se veían... tristes. Borrosas en las esquinas, con colores que no se parecían en nada a las acuarelas originales. Tenía la Fujifilm X-T20 que me prestó una clienta hace tres años sobre la mesa, y me sentí pequeña. Pensé: ¿necesito comprarme una cámara de tres mil dólares para que mi trabajo se vea profesional?
Llevo ocho meses, desde finales del año pasado, metida en este hueco de conejo de los cursos de Hotmart, tratando de entender por qué mis fotos no brillan. Lo que he descubierto es que, para nosotros los ilustradores, la cámara no es una herramienta de arte en sí misma, sino un puente. Es un escáner de texturas. Y la buena noticia, comadre, es que para ese puente no necesitas el último modelo que anuncian los influencers en YouTube. Aquí te cuento lo que he aprendido entre curso y curso, con la cartera puesta sobre la mesa y los pies en la tierra.
La trampa del equipo profesional cuando solo quieres que tu dibujo se vea bien
Lo primero que te dicen los tutoriales es que necesitas una cámara de formato completo (full frame). Pero cuando una vive de hacer rotulaciones de packaging y logos en servilletas, cada dólar cuenta. Durante las semanas de lluvia en Cuenca, me dediqué a comparar lo que veía en los módulos con lo que tenía en la mano. Mi cámara prestada tiene un sensor APS-C de 24.3 megapíxeles. Es un cuadradito de 23.5 mm x 15.6 mm que, para el mundo de la ilustración, es más que suficiente.
A veces me entra esa punzada de duda al pensar si realmente necesito 24 megapíxeles para una foto que terminará en un post cuadrado de Instagram de 1080 píxeles. La respuesta, después de terminar el tercer módulo del curso que estoy siguiendo, es un no rotundo. Lo que necesitamos no es resolución infinita, sino fidelidad. Los ilustradores trabajamos con líneas y áreas planas; si la cámara interpreta mal el contraste, nuestra ilustración pierde su esencia. El cuerpo de magnesio de la Fuji se siente frío al tacto cuando lo agarro por la mañana, un contraste total con el calor de mi taza de cedrón, y esa frialdad me recuerda que la cámara es solo una máquina. No es la que dibuja.
Si estás pensando en comprar algo, no mires las cámaras nuevas de paquete. Mira las usadas. Una cámara de hace cinco años captura las texturas del papel igual de bien que una de este año si sabes dónde poner la luz. Hace poco escribí sobre los mejores cursos de fotografía online para ilustradores y creativos visuales donde explican justamente cómo sacarle el jugo a lo que ya tienes sin entrar en deudas innecesarias.
El lente: donde se decide si tu empaque se ve real o de juguete
Aquí es donde yo metí la pata al principio. Yo pensaba que mientras más 'zoom' tenía el lente, mejor. Error. Yo uso un lente fijo de 35mm que terminé de pagar a plazos hace poco. En mi cámara, que tiene ese factor de recorte del sensor, ese 35mm se comporta como un 52.5 mm equivalente. Es lo más parecido a lo que ve el ojo humano.
Para fotografía de producto, lo que realmente importa no es la cámara, sino la distancia mínima de enfoque. Si ilustras etiquetas pequeñas, como las de aceites esenciales o frascos de miel, necesitas acercarte. Un lente normal a veces no te deja. Por eso, mi consejo de aficionada que cuida el presupuesto es este: en lugar de una cámara carísima, busca un objetivo macro de segunda mano. Incluso hay unos lentes macro que se adaptan al smartphone que hacen maravillas para capturar el grano del papel o el relieve de una impresión en letterpress.
Recuerdo una mañana de entregas el mes pasado en la que intenté fotografiar una tarjeta personal con un relieve dorado. Con el lente normal, el dorado se veía como una mancha amarilla. Fue solo cuando entendí que la nitidez técnica es irrelevante comparada con cómo rebota la luz en esa textura, que dejé de sufrir por el equipo. La cámara solo registra; tú eres la que compone como si estuvieras frente al lienzo.
La cámara como un escáner de texturas
Para nosotros, la fotografía de producto es una extensión del escáner. No estamos buscando capturar el alma de una persona, sino la veracidad de un material. Por eso, cuando busques qué comprar, fíjate en cómo la cámara maneja el color. Las Fujifilm son famosas por eso, pero cualquier cámara que te permita disparar en formato RAW (el negativo digital) te sirve. Eso lo aprendí viendo los mejores cursos de retoque fotográfico profesional para marcas locales, porque al final, una marca de café de aquí de Cuenca no necesita una valla publicitaria en Times Square, necesita que el grano se vea provocativo en la pantalla de un celular.
Lo que me di cuenta es que muchos cursos de Hotmart te empujan a comprar equipo de estudio: flashes, cajas de luz, trípodes de carbono. Yo abandoné dos cursos en la primera semana porque el instructor se pasaba tres horas hablando de marcas de luces que aquí en el Austro ni se consiguen o cuestan una fortuna traerlas. Al final, me quedé con el módulo de luz natural de uno solo. ¿Por qué? Porque la luz que entra por mi ventana en la tarde es gratis y tiene un contraste mucho más orgánico para mis dibujos que cualquier foco led barato.
Si tu presupuesto es corto, quédate con tu teléfono y compra un buen trípode. O compra una cámara réflex vieja, de esas que la gente está vendiendo para pasarse a las mirrorless. Una Canon T5i o una Nikon D3400 usada te dan una calidad de imagen que ya quisiera cualquier smartphone de gama alta, y te sobran unos dólares para pagar el internet o comprar más materiales de arte.
Decisiones con la cartera sobre la mesa
Comprar una cámara es un acto de fe, pero también de contabilidad doméstica. Un domingo por la tarde hace unos meses, me puse a sumar lo que había gastado en cursos frente a lo que me costaría una cámara nueva. Me di cuenta de que el conocimiento de cómo usar la luz natural vale diez veces más que un sensor nuevo. La cámara es una caja negra; lo que importa es lo que pones delante y cómo lo iluminas.
No te dejes convencer por los tecnicismos. Que si el rango dinámico, que si los puntos de enfoque... para fotografiar una caja de galletas que tú misma diseñaste, no necesitas que la cámara enfoque a un pájaro en pleno vuelo. Necesitas que cuando hagas clic, el color rojo de tu ilustración no se vea naranja. Y eso, comadre, se soluciona con un buen balance de blancos y una cartulina blanca para rebotar la luz, no con una cámara de mil dólares.
Mi Fujifilm X-T20 sigue aquí conmigo. A veces me da vergüenza que esté un poco rayada y que el lente sea prestado, pero cuando veo mis ilustraciones publicadas y la gente me pregunta con qué estudio hice las fotos, me río por lo bajo. Las hice en mi mesa de trabajo, moviendo la cortina para que la luz no sea tan dura y usando mis apuntes de los domingos.
La paz mental de ser una aficionada con criterio
Al final del día, después de terminar los cuatro cursos que sí logré completar, me queda una sensación de paz. Ya no siento que mi equipo me limita. La cámara es solo el puente, y mi valor está en el trazo, en la idea que puse en ese packaging, no en el modelo de sensor que usé para registrarlo. Aceptar que soy una aficionada que toma decisiones con la billetera en la mano me ha quitado un peso de encima.
Si eres ilustradora y estás en ese dilema, mi consejo final es: busca una cámara que te den ganas de usar, que no sea tan pesada que te dé pereza sacarla, y que te permita ver el mundo de una forma más lenta. A veces, mirar por el visor es lo único que me quita el ruido de la cabeza después de un día de lidiar con clientes difíciles. Y ese silencio, entre el aroma del cedrón y la luz que se apaga sobre las cúpulas de la Catedral, no tiene precio.
No te lances a comprar lo más caro. Invierte en aprender a ver. Porque cuando aprendes a ver la luz, cualquier cámara —incluso esa viejita que alguien tiene guardada en un cajón— se convierte en la herramienta perfecta para tu arte.